 |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
||
| |||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
| Maria und Natalia Petschatnikov | |||||||||||||||||||||||||
| Sidewalk Installation, Malerei 01.05. – 27.06. 2009 Preview: Donnerstag 30.4., 19-21 Uhr VERNISSAGE in Anwesenheit der Künstlerinnen: Freitag, den 1.Mai, 19-24 Uhr mit Maibowle Sonderöffnungszeiten während des Gallery Weekends: Sa + So 12-18 Uhr Die Ausstellung „Sidewalk“ rückt die unmittelbare Umgebung in den Mittelpunkt, den alltäglichen Weg durch die Stadt. Bodenkontakt ist dabei unausweichlich und trotzdem bewegen wir uns auf unbekanntem Terrain. Maria und Natalia Petschatnikov erforschen die Stadtlandschaft auf der Höhe der Bordsteinkante. Sie richten den Blick nach unten, auf die horizontale Grenze zwischen den Gebäuden und dem Bürgersteig und entdecken dabei Neuland. In der für die Galerieräume in der Karl-Marx-Allee konzipierten Installation wird die Grenze durchlässig, der Straßenbelag setzt sich im Inneren der Galerie fort und unzählige Tauben haben sich niedergelassen... Die Zwillinge Maria & Natalia Petschatnikov (*1973) arbeiten stets als künstlerisches Duo in den Bereichen Malerei und Installation. In ihren Werken zeigt sich die Welt aus der Sicht zweier sehr eng miteinander verbundener Menschen. Verdoppelte und wiederholte Objekte werden zu Spuren einer komplexen Beziehung, welche die innere und äußere Welt zweier Menschen spiegeln. Wo fängt die persönliche Welt an, und wo hört sie auf? Wo verlaufen heute die Grenzen zwischen privat und öffentlich, zwischen trivial und bedeutsam? Können wir uns noch verorten? Mit dem Künstler Duo Fischli und Weiß verbindet die Künstlerinnen ihre kindliche Entdeckerfreude und die humorvolle Aufarbeitung der uns umgebenden Welt. Mit Fantasie, Witz und Hintergründigkeit werden dem Alltäglichen überraschend neue Perspektiven entlockt. Immer wieder gelingt es beiden in ihren Malereien und Installationen alltäglichen Objekten und unspektakulären Interieurs eine neue Bedeutung zu geben. Zufällige Gegenstände werden analysiert, gemalt und aufwendig nachgebildet. Aus gewöhnlichen Dingen werden außergewöhnliche Arrangements, die neue Bedeutungsschichten freilegen. Aus Trash wird Poesie. http://www.petschatnikov.de _____________________________________________________________________________________________ | |||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
| Thomas Wrede | |||||||||||||||||||||||||
| Real Landscapes 13.03. - 25.04.2009 In Thomas Wredes schaurig-schönen Landschaftsinszenierungen prallen Naturgewalt und menschlicher Pioniergeist aufeinander. Die Fotografien sind ein intelligentes und augenzwinkerndes Spiel mit Mikro- und Makrowahrnehmung, mit Natürlichkeit und Künstlichkeit. Aus luftiger Höhe blickt man auf reale, verführerische Landschaften, die der Künstler mit kleinen Modellen in romantische Sehnsuchtsorte verwandelt. Seit 2004 hat Thomas Wrede seine Serie „Real Landscapes konsequent weiterentwickelt und damit international große Beachtung gefunden. Die fotografische Bildkomposition ist in ihrer Dramatik durchaus mit der Malerei von Caspar David Friedrich vergleichbar. Die Präzision der Details, die sorgfältige Linienführung, die eine Weite der Landschaft suggeriert, und nicht zuletzt die stimmungsvolle Farbsetzung der Himmel erzeugen eine spröde Schönheit. Angesichts solcher Naturgewalt verliert der Betrachter schnell das Gefühl von Sicherheit. Statt schöner Erhabenheitsinszenierung entstehen eindringliche Bilder kaum erträglicher Grenzerfahrung. Vergleicht man „Das Eismeer“ Friedrichs mit Wredes Arbeit „Bergrutsch“ sind die Parallelen der Bildstimmung verblüffend. Anstelle von Personen wählt Wrede jedoch Modelle von Häusern oder Fahrzeugen als Projektionsflächen. Sonderbar verloren und zerbrechlich wirken diese menschlichen Spuren, oder sogar deplaziert, wie der einsame Bolzplatz im Flutlicht. Was suchen die Erbauer in dieser Einöde? Oder lautet die Frage, was haben sie dort überhaupt zu suchen? Die Fotoarbeiten von Thomas Wrede zeigen sowohl Utopie als auch Verlust. Die archetypischen Landschaften wirken dabei ort- und zeitlos, sie spiegeln unser kollektives Bild von Landschaft wider, wie es durch künstlerische Landschaftsdarstellung tradiert und durch zahllose Medienbilder reproduziert worden ist. In Wredes Bildwelten erkennen wir diese Landschaften wieder und fühlen uns aufgehoben. Es ist als ob der Künstler für uns die Quintessenz gefunden hätte. Eine Landschaftsvision, in der Sehnsucht und Schrecken friedlich nebeneinander existieren. PDF-Katalog aller neuen Arbeiten zum download unter: http://www.sendspace.com/file/wnh2xa http://www.thomas-wrede.de ______________________________________________________________________________________ | |||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
| Josef Schulz | |||||||||||||||||||||||||
| übergang 23.01.- 07.03.2009 Im heutigen Europa verlieren die Binnengrenzen ihre politisch und wirtschaftlich trennende Funktion. Da die Schlagbäume aber schneller verschwinden als die Barrieren im Kopf, bleiben die alten Grenzen im Bewusstsein. Die langfristigen Konsequenzen dieser geographischen Ausdehnung Europas zu einer äußerlich-funktionellen Einheit, bei gleichzeitiger kulturell-ideeller Zerrissenheit, sind noch nicht absehbar. Für diesen komplexen historischen Wandel hat der Fotokünstler Josef Schulz überzeugende Bilder gefunden. In seiner 2005 begonnen Serie „übergang“ fokussiert er die Architektur der verlassenen Kontrollposten der innereuropäischen Grenzen. Ihrer Funktion beraubt stehen die Grenzhäuschen wie moderne Ruinen da, bewusst zeigt Schulz keinerlei Autos oder Personen. Die anonyme Zweckarchitektur zeigt sich in der umfangreichen Serie erstaunlich variantenreich. Scharf und kontrastreich heben sich die Grenzhäuschen von einer nebulösen Umgebung ab, was ihr bevorstehendes Verschwinden umso mehr ins Bewusstsein ruft. Dieser Effekt des Verblassens ist Ergebnis einer digitalen Nachbearbeitung, durch sie tritt der Hintergrund zurück. Die Grenzlandschaft wird unkonkret und austauschbar. Durch das Verschleiern des Kontextes werden die Grenzposten zum Modell reduziert, ein Auslaufmodell. Gleichzeitig erscheinen sie aber auch als Mahnmale für die einstige Trennung und erinnern an das noch nicht Erreichte. Sie markieren den Übergang von Vergangenheit und Zukunft. Mit „übergang“ zeigt Josef Schulz einen weiteren konsequent durchdeklinierten Werkblock in der Tradition der Becher-Schule, der er sich als Ruff Meisterschüler verbunden fühlt. Ebenso wie in seinen Serien „Centre Commercial“, „Sachliches“ oder „Formen“ setzt der Künstler zusätzlich zur dokumentarischen Reihung digitale Mittel ein, um architektonische Klarheit zu erzeugen. Der dokumentarische Kern verdichtet sich. Die sichtbaren Manipulationen auf den Fotografien mindern den Realitätsgehalt des Dargestellten nicht. Im Gegenteil: der fotografische Übergang, den Josef Schulz beschreitet, dient der Wahrheitsfindung. http://www.josefschulz.de Die Ausstellung findet in Kooperation mit der Galerie Heinz-Martin Weigand, Ettlingen statt. ___________________________________________________________________________________________ | |||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
| Raïssa Venables | |||||||||||||||||||||||||
| Maybe too lofty? 05.12.2008 – 17.01.2009 Seit der Renaissance sind wir gewohnt, Räume in der Malerei perspektivisch zu sehen. Was sich im Italien der Vorrenaissance mit einer neuen Raumauffassung bei Giotto langsam herausschält, findet bei Brunelleschi seinen Höhepunkt in der Erfindung der Zentralperspektive um 1420. Der Bildraum wird mathematisch auf einen Fluchtpunkt hin konstruiert. Die bildgemäße Anordnung aller Gegenstände darin entspricht einer illusionistischen Wiedergabe der Wirklichkeit. Dies ist auch bei der später aufkommenden Fotografie nicht anders; die mathematische Konstruktion wird durch die Gesetze der optischen Linse ersetzt. Raïssa Venables Arbeiten durchbrechen die fotografischen Gesetze der Optik, indem die Künstlerin mithilfe digitaler Bearbeitung und Intervention sich eine neue Freiheit im Umgang mit der Gestaltung des Bildes verschafft. Die Werke von Venables erinnern an die mittelalterliche Bedeutungsperspektive. Räume und Gegenstände sind entsprechend ihrer geistigen Bedeutsamkeit und nicht der natürlichen Beschaffenheit dargestellt. Dies wird unterstützt durch eine expressive Farbwahl der Künstlerin. Was formal wie ein Rückschritt in der Auseinandersetzung mit Räumen erscheint, ist bei Venables Programm: spielten ihre frühen Arbeiten vor allem in privaten, eher intimen Räumen, so zeigt die Künstlerin in ihrer neuen Ausstellung große und öffentliche Orte. Profane wie sakrale Räume sind das Thema von „Maybe too lofty?“ Der unbewussten Erfahrung, die wir in solchen Räumen machen, geht Venables mit hoher Sensibilität nach und verleiht ihnen Ausdruck. Die Künstlerin spürt den Orten nach und findet zu einer neuen „Bedeutungsperspektive“, die viel mehr einem anthropologischen Sehen entspricht. Ihre neusten Arbeiten sind von formaler wie farblicher Eleganz. Sie führen uns durch große Bahnhofskathedralen, hinein in jahrhunderte alte Kirchen und verborgene Tempel. Alle Orte sind „lofty“ (erhaben). Man muss nur sehen können. Mit ihrer neuen Einzelausstellung schenkt uns Raïssa Venables ein Stück Sehen zurück. Die neuen Arbeiten befinden sich als PDF zum Download unter: http://www.sendspace.com/file/1fxy87 _________________________________________________________________________________________ | |||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
| Helena Blomqvist | |||||||||||||||||||||||||
| The last Golden Frog 17.10. – 29.11.2008 Die Fotocollagen von Helena Blomqvist (* 1975) sind komplexe Gewebe aus Figuren, Requisiten, Symbolen und Zitaten. Eine spannende Mischung aus philosophischer Betrachtung einerseits und schrägem Humor andererseits. Ihre besondere Magie entfalten die Fotos jedoch dann, wenn die arrangierten und digital bearbeiteten Szenen plötzlich so gegenwärtig erscheinen wie die Umgebung, in denen die Fotos hängen. Die Grenze zwischen Realität und Fiktion scheint zu fließen. Geradezu spielerisch kann der Betrachter zwischen den Ebenen von Wirklichkeit und Imagination wechseln. Schöner hat auch Astrid Lindgren ihre Leser nicht in neue Welten entführt. Es war einmal... Eine Szenerie wie im Märchen. Ein blütenumrankter Junge sitzt wie ein Ritter auf einem Lama. Vor ihm hockt als sein Begleiter ein bekleideter Affe, und gemeinsam blicken sie einem Abenteuer entgegen. Trotz einer märchenhaften, teils bizarren Anmutung ist unterschwellig eine nahende Katastrophe spürbar. Jedes fotografische Arrangement der Künstlerin zeigt ein Drama in einer speziellen Situation. Wie in einer unvergänglichen Momentaufnahme des Lebens sehen wir Aufbruch, Trauer, Kameradschaft - und immer wieder Dunkelheit. Wie schon in ihren früheren Serien greift Helena Blomqvist kulturelle Archetypen unseres kollektiven Bildgedächtnises auf. Die Referenz zur fotografischen Praxis des 20. Jahrhunderts zeigt sich z. B. in dem standardisierten Gruppenbild mit Soldaten, sowohl im Arrangement als auch in der Farbgebung. Wären die Protagonisten keine Affen, könnten die Bilder einem Fotoalbum des 1.Weltkrieges entnommen sein. Oder haben wir es doch mit einer Szene aus „Planet der Affen“ zu tun? Blomqvist legt viele visuelle Fährten. Am Ende jedoch wird plötzlich der Blick wieder frei für die Mechanismen der Erinnerung durch Fotografie. Es ist gewesen... Helena Blomqvist wurde bisher sehr erfolgreich in Skandinavien gezeigt, die Galerie Wagner + Partner präsentiert ihre erste Einzelausstellung in Deutschland im Rahmen des „3. Europäischen Monat der Fotografie“. http://www.mdf-berlin.de Ein Katalog zur Serie ist in der Galerie erhältlich oder als PDF Download Catalogue_Blomqvist.pdf, (1 MB): http://www.sendspace.com/file/ldntjh _________________________________________________________________________________________ | |||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
| I just wanted you to love me | |||||||||||||||||||||||||
| Peter Dreher, Natascha Stellmach & SPAM the musical 05.09. – 11.10.2008 | |||||||||||||||||||||||||
| Was wäre die Popkultur ohne ihre unsterblichen Toten? Ist der Tod selbst schon Pop? Vor Kurzem erlangte die Künstlerin Natascha Stellmach Asche des 1994 aus dem Leben geschiedenen Nirvana-Bandleaders Kurt Cobain. Die hierdurch inspirierten fotografischen Arbeiten und Objekte thematisieren Selbstmord, Nahtod und nicht zuletzt die Frage, was nach dem Tod bleibt. „Set me free“ wurde in die auf einem Scanner liegende Asche geschrieben. Ein ins Grau verlaufender Text beschreibt auf halluzinogene Weise die Begegnung von Kurt Cobain, Adolf Hitler, Diane Arbus und den Gebrüdern Grimm in der Twilight Zone. Und in einem antiken Silberetui mit der Gravur „Gone“ wartet ein Joint aus Asche und Hasch auf das erlösende Ritual. Seit einigen Jahren beschäftigt sich auch Peter Dreher mit dem Tod, vordergründig. Der weltbekannte Maler der Gläserserie „Tag um Tag guter Tag“, die seit 1974 den immer selben Gegenstand thematisiert, besprenkelt meterlange Papierbahnen mit Totenköpfen. Auf den Gouachen tritt die signifikante Form des Schädels aus den verlaufenden Flächen hervor. Erst im Kontext des markanten Umrisses erhalten die abstrakten Farbflächen Bedeutung. Durch die serielle Häufung wird der Tod bei Peter Dreher abstrakter und verliert seinen Schrecken. Grinsen seine Schädel nicht sogar? Spam dagegen scheint unsterblich und feiert in diesem Jahr den 30. Geburtstag. In dem Cross-Media Projekt „SPAM the musical“ wird Spam von anonymen Künstlern zum Thema und zur Methode in der Kunstwelt erklärt. Zwei Jahre wurden Spams gesammelt und typisiert, um dann zu Scriptvorlagen für Kunstvideos zu werden. In sechsminütigen Videos mit Titeln wie „The Lonely Girls“ oder “The Lottery” wird der Spamtext auf unterhaltsame Weise gesungen und seine Versprechungen operettenhaft ins Bild gesetzt. Doch Spam hat auch seine düsteren Seiten. Das zeigen die „deleted scenes“ im zweiten Teil, in denen rasch jede Illusionen über Liebe und Sehnsucht zerstört werden. „SPAM the musical“ kursiert im Netz, in Ihrem Spamfilter oder unter http://www.spamthemusical.com . | |||||||||||||||||||||||||
